Valerie Steele: ¿Cómo debe ser una exposición de moda?

Valerie Steele es directora y comisaria jefe del museo del Fashion Institute of Technology, en Nueva York, donde ha organizado alrededor de 25 exposiciones desde 1997. Steele combina su actividad como comisaria con un perfil más intelectual. Su trabajo ha sido clave para crear el campo moderno de los estudios de moda y despertar conciencia del valor cultural de la moda.

Hablamos con ella con ocasión de su conferencia "Deconstruyendo el canon", que inaugurará el II Coloquio de Investigadores en Textil y Moda, que tendrá lugar en el auditorio del Museo del Diseño de Barcelona los días 21 y 22 de noviembre .

Cuando estudiabas en Yale, te diste cuenta de que la moda era parte de una cultura más amplia y que estudiar su historia era una opción. ¿De qué modo puede la moda jugar un papel significativo en la cultura?

Del mismo modo que el arte, la literatura o la música. Es crucial entender que la moda no está aislada de la cultura y la sociedad, sino que es parte de ellas. De este modo, mostrará la actitud de las personas, su comportamiento en relación con el cuerpo, la estructura de la sociedad, la economía, la política. Cualquier aspecto importante para la cultura y la sociedad de una época se enfatizará en la moda. Por ejemplo, en los años sesenta se produjo un youthquake (movimiento joven) y generaciones jóvenes de todo el mundo se volvieron más abiertas y a veces incluso más rebeldes, y esto se tradujo en la ropa.

¿Cómo describirías el sistema de la moda actual?

Vemos lo que de alguna manera podría llamarse "el imperio de la moda", una especie de sistema de la moda unificado globalmente que se ha vuelto mucho más fragmentado o incluso balcanizado, por lo que no sólo existe una única moda que cae del cielo, por ejemplo, de París o de la alta costura. En lugar de eso, desde los setenta hasta ahora la moda se ha vuelto mucho más diversa, a medida que aparecían nuevos y múltiples estilos y tribus. No hay una moda particular dominante. Cada vez más personas ven una oportunidad para elegir vestir más o menos como desean, siguiendo cualquier tendencia que decidan seguir.

La moda ofrece una fotografía de la sociedad de una época. ¿Cuál es nuestra?

La sociedad está mucho más fragmentada en grupos, como si fueran parcelas pequeñas de gente con sus propios intereses e ideas. Esto queda reflejado en el tipo de prendas que visten. Hay una creciente desigualdad económica en la sociedad, y eso también se expresa en la división cada vez más agrandada entre fast fashion (moda rápida) y moda de lujo, eliminando el elemento central de la imagen. Ya no existe lo que podemos llamar "moda de clase media".

Vivimos en una crisis constante. ¿Cómo se traduce esto en la moda?

Si nada se hace de manera rápida y justa para evitar el cambio climático, tendrán lugar cada vez más desastres naturales y sociales como los que ya hemos visto. Más olas de calor, tsunamis y refugiados climáticos. Más populismo y ultraderecha. Todos estos impactos en la sociedad tendrán sus propias ramificaciones en la moda.

Históricamente, las exposiciones de moda han consistido en valoraciones cronológicas o retrospectivas de grandes diseñadores como individuos. Sin embargo, hay muchos otros temas importantes que no se tienen presentes. El Museo del FIT se ha centrado en exposiciones temáticas que tienen por objetivo promover y avanzar en el conocimiento de la moda. Como comisaria, intentas rehuir las retrospectivas y prefieres comparar y contextualizar los diseñadores como individuos. ¿Por qué?

Las exposiciones temáticas son una mejor oportunidad para los comisarios para hacer una contribución real al conocimiento de la moda. Si tratas con un diseñador como individuo, puedes aportar conocimiento sobre un diseñador de alguna manera olvidado o desconocido. Pero si simplemente haces una exposición más sobre Yves Saint Laurent, Balenciaga o Chanel, será una especie de entretenimiento, una manera de hacer venir la gente en el museo, sin contribuir mucho al corpus básico de conocimiento. Intelectualmente es más gratificante y significativo abordar temáticas y aspectos que aún no han sido tratados.

¿Una exposición temática es más interesante para una audiencia más grande, y no sólo para amantes de la moda, diseñadores y estudiantes de moda?

Está claro que las retrospectivas ayudan, se convierten rápidamente populares y hacen que la gente quiera visitar el museo, pero pienso que tenemos que hacer algo verdaderamente especial para aportar conocimiento. Pasa lo mismo con la mayoría de exposiciones de arte impresionista: tienen mucho público, pero no añaden nada nuevo a nuestro conocimiento sobre impresionismo. Recibes diferentes audiencias por cada exposición. Cuando hicimos Gothic: Dark Glamour, mucha gente joven vino al museo; y con A Queer History of Fashion, obviamente tuvo un enorme interés por parte de la comunidad LGBTQ. Los diseñadores de moda negros llevaron un público mucho más diverso que el que visita una exposición de moda convencional. Por lo tanto, sí, inmediatamente empiezas a recibir visitas de aquellos que se identifican con algunos aspectos de la exposición.

Sexualidad, cuerpo y género son la piedra angular de tus exposiciones. ¿Cómo trabajas estos conceptos?

Es cierto, todos estos temas me han interesado desde el principio. Mi primera tesis estudiaba los aspectos eróticos de la moda victoriana y tenía mucho que ver con la idea de moda y cuerpo, pero el cuerpo también está influenciado por el género y tratado de manera diferente. Cuando hicimos A Queer History of Fashion, inicialmente me esperaba encontrar de Dior hasta ahora. En vez de eso, e investigando una bibliografía no sólo sobre historia de la moda, sino también en historia gay y teoría de género, terminamos descubriendo que ha habido subculturas queer desde el siglo XVIII a grandes ciudades como Londres, París y Amsterdam; resultó que la historia de la moda gay en realidad comenzó un siglo entero antes de lo que pensábamos. Fue un hallazgo realmente fascinante. Hacer exposiciones temáticas, pienso, te motiva a poner la mirada en más de una disciplina.

¿Y desde qué perspectiva los entiendes?

Probablemente desde un punto de vista psicoanalítico. La sexualidad y el género son fuerzas muy poderosas en nuestras vidas y también en la creatividad. Muchos diseñadores de moda, desde Saint Laurent a Alexander McQueen, han hablado de cómo la sexualidad es una influencia importante en su trabajo, y el mismo Freud creía que influye en la creatividad. Supongo que esta cuestión de quién eres y cómo lo expresas a través de la ropa y tu estilo es muy interesante para mí, ya menudo esto se relaciona con el cuerpo.

Tienes cierta inclinación por la contracultura. ¿Por qué?

Tiene que ver con la identidad y por supuesto con mi vida personal. Me fui de casa cuando tenía 15 años y fui a vivir en una especie de común feminista lésbica en San Francisco. Esto fue hacia finales de los años hippies. Aunque la era punk no me impresionó mucho, como todos mis amigos gays se movían en la escena disco, esto pasó a formar parte de mi vida cuando iba a la universidad. Más tarde, mi estilo estaba muy inspirado en la vanguardia japonesa, que se superponía con uno gótico. Los años noventa ya daba clases en la universidad sobre estilo gótico y su influencia en la moda.

La deconstrucción del canon está presente tanto en tu campo de investigación como en tu trabajo de comisaria, en el momento que exploras símbolos, imágenes y cuestiones que nunca han sido el tema central de una exposición. Son ejemplo la identidad de género y la ropa fetiche. ¿Por qué es importante dar voz desde una óptica social?

Es una cuestión de producir y promover conocimiento. Un museo es como una universidad y su rol es producir y compartir conocimiento. Tiene la responsabilidad de intentarlo, porque los museos y las universidades son de alguna manera áreas protegidas del mundo político y económico que te dan la libertad de prestar atención a temas que no son necesariamente sobre hacer dinero.

¿Qué temas se ignoran todavía?

Muchísimos. Pienso que cada vez hay más interés en la idea de la conservación y el coleccionismo de moda. Se puede hacer mucho más en cuanto a la moda de Latinoamérica. Las masculinidades están empezando a atraer más atención. El tiempo es otro asunto que podría ser abordado en moda. Todos estos son temas que aún no se han investigado, pero en cierto modo se podrían explorar más en profundidad.

¿La moda aún se percibe como frívola?

Menos que antes. Solía ​​ser rechazada por asociarse a la vanidad y frivolidad de la mujer. Al menos ahora la gente está dispuesta a reconocer que la moda es una industria multibillonaria. Pero todavía hay mucha resistencia a aceptar su importancia. Por ejemplo, el deporte (asociado a la masculinidad) se celebra y se reconoce como una parte importante de la sociedad y la cultura; mientras que la moda, que suele asociarse a la feminidad, está relativamente infravalorada si lo comparamos con los deportes. [La perspectiva global de la moda] está cambiando, pero lentamente. Es muy difícil, es como mover un barco de guerra.